國內畫壇有所謂的“半抽象畫”之說，望文生義，這是介於有形（具象）與無形（抽象）之間的曖昧形式；雖則有些附會牽強，卻也附和了本地“寬容”與“和稀泥”的習性：差不多這是個什麼？也差不多就是什麼！

譬如這幅原先的“具象畫”，已進一步走向「抽象化」，因為我們很難立即辨識出傳統靜物畫的元素（如花瓶、水果、桌椅），它們被拆解、溶解，化作一種「色彩的結構」，結果變成“抽象畫”了。這裡的抽象，並非完全擺脫現實，而是將「窗前景物」透過畫家的心象轉譯為色塊、線條的節奏。

首先從造型美學角度來看，《窗前靜物》的結構呈現出一種「色塊建築」的張力。畫面中央的大面積黃色，猶如一個發光的核心，將視覺重心牢牢吸住：這黃塊既像是桌面，也像是窗外的光暈，甚至像是一種「心靈的太陽」，灑向整個畫面。環繞於四周的藍與綠，則帶來藍色產生冷暖對比的平衡，這似乎暗示窗外的天空或光影；綠色，可能象徵葉片或盆栽。這些具象元素被抽象化，卻仍保有自然的隱喻性。至於紅色的點綴，則如同靜物中的花朵或果實，為畫面注入不可言喻的活力。

換個角度觀察畫家內心的孤獨與時代的隔閡，或許在畫布上將之轉化為這些複雜的色彩交錯。畫面看似明朗，實則蘊含暗湧，這種「內心的躁動」與「表面的明亮」構成了矛盾卻動人的心理張力。

接著看筆觸的表現，廖繼春並不追求細膩描繪，而是以粗獷卻不失韻律的筆觸堆疊。他以黑線隱約勾勒出某些輪廓，像是花莖、窗格、或桌上的物件，但這些線條更像是一種遊走的樂音，讓觀者在「似有若無」之間遊移。畫面的整體效果，像是一首色彩交響曲：明亮與沉穩的調子相互碰撞，最終在畫面中取得動態的平衡。觀者若靜心凝視，會感受到一種「視覺的呼吸」，畫面彷彿在律動。

接著是本人最樂於探討的心靈層次：此畫不僅是一個尋常生活題材的選擇，更是一個生命的自白。它不像早年那樣直接表現青春的奔放，也不像中年時期那樣充滿社會氣息，而是帶著一種沉澱後的光芒，既內斂又激烈。因而此作顯得格外具有象徵性：

一是“窗前”暗示著他身處一個時代的邊緣，透過藝術凝視外界。

二是‘’靜物‘’，象徵日常生命中的慰藉，也是廖繼春將激情沉澱為色彩的載體。《窗前靜物》是一幅處於廖繼春晚期的重要轉折作品。基於畫家不再只是野獸派式的外在激情，而是逐漸朝向抽象內心世界的探索，這幅畫既展現了色彩的力量，也蘊含著畫家對生命與時代的感悟。

總而言之：《窗前靜物》不僅是一幅平庸主題畫作，更是一種生命哲學：畫家在日常與混沌之間，尋找光的核心；在孤獨與激情之間，保持色彩的律動。這正是廖繼春在1968年，透過此一形形色色留給後人的最大啟示：半抽象畫就是一個「內心風景」與「抽象語言」的交疊。