本人乍見此作，驚詫其氣勢非凡，大膽俐落，然而當我知道其尺寸之小：38.1×45.7cm，便不得不佩服畫家在有限的空間裡展現出巨大能量，堪稱「小中見大」的範例。

是的，廖繼春在1960年代末期，往往被視為其藝術生涯中極為重要的轉折階段。這幅1968年的《山》，正是他成熟後期風格的一個典型範例：既延續了早年自印象主義、野獸派吸收而來的鮮明色彩與奔放筆觸，又帶有逐步走向抽象表現的內在張力，並隱含一種對生命與自然的激情吶喊。

我們就直視畫面：背景以大面積黃色與藍色對峙，黃色象徵山體的躍動與陽光的照耀，藍色代表天空的深邃與冷冽。兩種色彩之間的衝突，形成強烈的動態張力：黃色在畫面中不是靜止的平塗，而是以不均勻的筆觸、厚重的堆疊、甚至帶著灰黑色滲入的混濁質感，讓人感受到山並非靜謐的自然，而是翻攪著的能量體；藍色則在右上方形成一個渦狀的太陽或烈焰般的符號，帶著燃燒的力量，呼應整幅畫的爆裂感。

畫面下方與中央大量的紅色筆觸格外醒目，它們如同火焰、如同手臂、又像是一群舞動的符號。這些紅色線條不僅強化了山的爆裂感，也像是人類身影在與自然呼應：它們直立、交錯、揮舞，帶來音樂般的節奏感。這種「符號化」的線條處理，透露了廖繼春在抽象與象徵之間的猶疑徘徊。紅色既不是單純的火焰，也不是具體的人形，而是一種「中間狀態」的符號。這種模糊性，反而讓畫作多了一層想像的空間：觀者可以在其中看到山崩的力量，也可能看到祭典般的狂舞。

雖說畫題為《山》，但畫面中的山體早已超越自然的具象描繪。畫面中央三角狀的形態，帶有山的輪廓，但它們幾乎被解構成顏色與線條的聚合。黑色、紅色、白色的線條縱橫交錯，像是刀劍般切割空間，也像是山體內部的裂縫與火焰，讓「山」成為一種活生生的生物體，隨時可能噴發。

因為我們從形體形式上看，《山》是色塊與筆觸的激烈碰撞；從精神層面上看，它則是一首生命的詩篇。廖繼春成功地將「山」從自然物轉化為情感符號，透過紅、黃、藍的三原色交響，將自然與人、外在與內在融為一體。

山在這裡不是靜物，可說是一種熾烈的生命象徵。台灣地處環太平洋火山帶，山岳往往帶有地震與火山的意象。廖繼春在1960年代的「抽象化」探索中，或許正是將這種地質與生命的能量內化為藝術形式。讓我們換一個心理學角度來看，這幅畫之山的解構與重組，也像是藝術家內心不安定情感的投射，是一種精神上的「火山爆發」。

若與西方藝術相比，這幅作品既有梵谷的狂烈筆觸，又帶有德國表現主義的張力，更不乏抽象表現主義的自由 — 然而，它終究是屬於台灣的繪畫語言。因為它的根源在於對「山」的凝視一一這個象徵台灣地理與文化的核心元素，被廖繼春轉化為帶著火山般爆發力的藝術語言。

本人更傾向從文學詩意維度來審美：《山》不只是對自然的描繪，而是藝術家在面對現實社會與內心衝突時，所提出的一種情感對話。它既可以看作是對台灣山岳的讚歌，也可視為生命韌性的象徵。山是台灣地理的核心，也是民族精神的依託；在這幅畫中，山正是帶著烈焰與狂風，顯示出生命的苦痛與昂揚。

總之，《山》既是廖繼春的一種靈魂「自畫像」，也是台灣社會與文化精神的隱喻。它讓我們看到一位藝術家如何以色彩與筆觸，把個人生命經驗與時代情境凝縮於小小的畫布之中，這更證明了偉大的藝術並非單純的再現，而是精神的顯影。

廖繼春1968年的《山》，無疑是一種震動心靈的力量，一把將自然與人心融合的烈焰。